VERSIÓN EN ESPAÑOL En este curso abordamos los aspectos artísticos de la creación del videojuego. Para ello, proporcionaremos conocimientos y pautas sobre cómo diseñar la parte artística de un videojuego. Esto incluye diferentes aspectos. Desde la creación de entornos, al diseño de personajes, movimientos e incluso música. Todo el proceso buscará una coherencia que permita transmitir al jugador la experiencia que espera. Para definir y comprender mejor los conceptos se usan, como en el resto de cursos del Programa Especializado, ejemplos y referentes de videojuegos. IMPORTANTE En breve el curso dispondrá de subtítulos en inglés. __________ ENGLISH VERSION In this course we will talk on the video game's creation artistic aspects. In aim to do so, we will provide knowledge and guidelines on how to design a video game's artistic part. This includes different aspects. From the environments creation, to the characters' design, movement and even music. All this process will look for a cohesion which will allow us to give the desired experience to the player. To properly define and understand the concepts we will use -as in the other courses inside the Specialized Program- examples and video game referents. IMPORTANT English subtitles will be soon available.
Creación de personajes (Parte I)
Loading...
Del curso dictado por Universitat Autònoma de Barcelona
Arte 3D y animación en videojuegos
144 calificaciones
Universitat Autònoma de Barcelona
144 calificaciones
Curso 3 de 6 en SpecializationDiseño y Creación de videojuegos
De la lección
Exportación al motor y animación
En este módulo introduciremos la herramienta de Unity, que nos permitirá ver como se exportan los elementos de arte a un motor de un videojuego, y como deben configurarse para que luzcan adecuadamente. Posteriormente nos ocuparemos de la creación de personajes, incluyendo la creación del sistema de huesos y de sus animaciones. Finalmente, volveremos a Unity para exportar el personaje y las animaciones.
Conoce a los instructores
Enric Martí GòdiaAssociate Professor
Computer Science
Pere Nolla RodríguezFreelance y Colaborador docente
Ciencias de la Computación (UAB)
[MUSIC]
A continuación vamos hablar sobre la creación de personajes.
Dentro del arte en videojuegos especialmente en el arte en 3D se
distingue mucho lo que sería el arte para entornos y lo que sería el arte
de personajes.
El arte para entornos engloba terrenos,
engloba edificación, tanto interna como externa.
Y también objetos específicos, como puede ser
mobiliario y tipos de armas, por ejemplo, etcétera.
La creación de personajes, obviamente, hace referencia tanto a los protagonistas,
como a los enemigos, you sean de forma más humana o de forma más fantasiosa.
Éstos elementos,
los personajes, son uno de los más importantes dentro de los videojuegos.
Pero además también son uno de los elementos más difíciles de hacer.
Debido a varias características.
Primera, porque son modelos orgánicos, su forma es muy orgánica.
No es algo que esté sacado de un patrón sino que normalmente son formas complejas,
con lo cual es más difícil de realizar.
Además dentro de cada modelo pueden existir diferentes partes.
Un ejemplo claro es un personaje que lleva una armadura y que la armadura,
pues la lleva solamente en una parte, por ejemplo en un brazo en vez de en los dos.
Con lo cual, el hecho de que haya diferentes partes también complica
la creación del modelo.
Después también por una cuestión de nivel de detalle y es que como son formas
complejas, enseguida que se quiera dar un detalle realista,
se gastan muchos recursos, especialmente en triángulos pero también en textura.
Con lo cual es un elemento complicado porque requiere mucho detalle
y poder conseguir el equilibrio adecuado entre
nivel de acabado bueno y recursos gastados, pues es difícil.
Después también es complicado porque muchos de estos elementos,
muchos de estos personajes van a tener animación.
Con lo cual a parte del trabajo de animar en si,
también hay que tener en cuenta a la hora de crear el modelo,
que esté preparado para que después la animación pueda revisarse y verse de
forma correcta, y esto va muy de la mano con el concepto de deformación.
Hay que preparar bien la malla para que cuando se animen se pueda deformar
de manera correcta y luzca de manera natural.
El flujo de trabajo a la hora de crear personajes depende,
no es siempre el mismo, you que como hemos dicho también depende del nivel de detalle
y acabado que requiera el modelo.
No es lo mismo el flujo de trabajo para
el protagonista del juego que se va a ver siempre y va a estar siempre en pantalla,
y que va a poder tener cinemáticas y se va a ver la cara de una persona,
que un enemigo secundario que no requiere tanto detalle.
Pero bueno a nivel general los pasos serían los siguientes.
Se hace el modelo en baja y se mapea el modelado en baja es decir,
se abren las después se hace un modelo en alta y se crean los diferentes mapas,
el mapa de difuso, el mapa de normales, oclusión,
especular y otros mapas que a lo mejor no hemos comentado
como el cavity map o el displacement map pero también puede ser una opción.
Este flujo de trabajo es muy parecido al que vimos en el módulo anterior sobre
los objetos de escenario.
Es básicamente el mismo lo que pasa es que aquí hay que hacerlo con mas detalle.
Eso sí el tipo de orden puede variar.
Vale, pues lo comentaremos al final.
A parte del modelado y del texturizado también hay que acabar haciendo el rigging
y las animaciones, en el caso de que el personaje tenga animaciones.
La mayor parte, a veces, los personajes tienen animaciones.
Puede ser por ejemplo que no sea así,
podría ser por ejemplo el caso de una estatua con forma humana que debe tratarse
como un personaje a nivel de modelado y de texturizado pero no hace falta animarlo.
Bueno pues hay que crear el sistema de huesos que es el rigging
y hacer las diferentes animaciones.
Como antes he anticipado, el orden puede variar, es decir, puede ser de
que empecemos a hacer el modelo en baja y después hagamos el modelo de alta.
Esto seguramente ha sido el flujo de trabajo más tradicional, pero you desde
hace varios años existen varias opciones y depende tanto del artista como
de una elección de metodología general a partir del estudio de desarrollo.
En muchos casos se empieza a modelar desde el de alta,
en programas como [UNKNWON] y a partir del de alta,
con el mismo programa o con programas externos que te permiten rehacer la
topología, se crea el de baja, con lo cual como os digo el orden puede variar.
Además otro elemento importante es que se pueda hacer por partes.
Hay casos en que un personaje puede tener tanto detalle
que se tratan algunas de sus partes casi como partes diferenciadas.
Por ejemplo la cabeza se hace con un elemento propio,
el cuerpo igual y bueno, el torso y los brazos también y
parte de las piernas y los pies se hacen por separado.
Y cada uno de ellos tienen su modelado, tienen su texturizado, etcétera.
Al final se juntan obviamente, ¿no?
En función del nivel de detalle, también puede ser que se
requiera y se obtenga un beneficio al hacerlo por partes.
Bien, aquí nos vamos a centrar sobre todo en el proceso de modelado,
la cuestión es que hacer un personaje, aunque sea muy sencillo, es muy costoso.
Vas a tardar mucho tiempo en hacerlo, en planificarlo, en empezar
a modelar, en asegurarte de que la topología es la correcta, etcétera.
Así que bueno,
lo que vamos a ver son sobre todo elementos a nivel conceptual, es decir,
conceptos clave que hay que tener claro para poder ponerse a modelar un personaje.
Como os digo, es una tarea compleja y requiere sobre todo mucha práctica
y verse en diferentes casuisticas y ver cómo se resuelve cada una de ellas.
Durante el proceso de modelado obviamente hay que partir de un diseño,
de un game design de acuerdo a que pues indique qué es lo que se quiere expresar
con este personaje, qué mecánicas va a utilizar ese personaje.
Y después se utiliza un arte conceptual.
En la medida de lo posible hay que tener un arte conceptual aunque sea muy básico
y con este arte conceptual se prepara la escena de trabajo.
Este arte conceptual se pone en el Max con una imagen de fondo.
Es ideal tener una imagen frontal,
una imagen lateral y también si es posible una imagen cenital.
Se ponen estas imágenes de fondo y se empieza a modelar
encima o con ellas de referencia, con ellas de fondo.
Hay que tener muy claro el nivel de detalle y acabado,
qué partes van a tener más y menos detalle, es probable,
por ejemplo, que la cabeza siempre tenga mejor o más detalle.
Pero también puede ser que el personaje en si siempre se vea de lejos y
nunca vaya a tener animación facial, por lo cual puede variar,
pero siempre, antes de empezar a modelar, saber qué partes van a requerir
más atención y más detalles para poder destinar en ellas más recursos.
Cuando tenemos todo esto claro y hemos preparado la escena,
entonces you podemos empezar a modelar.
Se parte de una caja u otra primitiva parecida y se utiliza simetría.
Esto de la simetría, sobre todo, hay que utilizarlo cuando tiene sentido.
La mayor parte o muchos de los personajes son simétricos.
Puede ser que al final, al final,
al final de todo el proceso nos interese romper la simetría pero
si mas o menos son simétricos nos interesa utilizar la simetría para ahorrar trabajo.
Utilizando la simetría trabajaremos solamente en un lado del personajes
y otro se generará de manera automática.
Nosotros vamos trabajando en un solo lado generando las caras nuevas
y cada vez que generamos caras nuevas, las estamos reposicionando, utilizando
como referencia otro de los puntos de vista, lateral, el frontal, etcétera.
A medida que vamos generando las diferentes caras hay que intentar generar
los diferentes loops o líneas de aristas que delimitan la topología.
A continuación hablaré más en detalle sobre la topología.
Y sobre todo entender que que hay ciertas tomas clave de los personajes,
especialmente los que tengan una anatomía de estilo más humano en el que es
bastante recomendable tratarlos como si fueran pequeños subapartados,
pequeñas partes del personaje.
Tratar el torso como un elemento después generamos el hombro,
a partir del hombro generamos los brazos, después en el caso del torso
generamos la cintura o la pelvis y a partir de la pelvis las piernas, etcétera.
Y finalmente o cuando queramos, pero también se genera la cabeza y después
también todos los complementos que pueda tener como pues una parte de armadura,
un cinturón específico, un casco, etcétera.
La topología, la topología, you lo hemos ido comentando,
ha salido alguna vez durante este tema.
Básicamente es la distribución de los triángulos,
como están puestas las aristas visibles de manera que dibujar la geometría,
la cuestión es que en los personajes no basta con usar un orden cualquiera en la
distribución de los triángulos.
Hay que distribuir o utilizar una topología relativamente específica,
no es que haya una única pero hay que intentar que esta topología
respete un poco lo que sería las líneas de deformación
muscular si se quiere llamar así, algunas partes del cuerpo humano.
¿Por qué?, porque esto beneficia después cuando se haga el rigging,
es decir, se vincule a esta malla el sistema de huesos y se acabe animando.
Si la topología no es correcta va a ser muy difícil o más difícil hacer el rigging
en la animación y van a sucederse varios errores.
Para la topología hay que fijarse en los loops de aristas intentando crear
diferentes loops de aristas, como estas líneas que vemos aquí,
cada una de ellas dan la vuelta, por ejemplo en la pierna,
pero también pasa por aquí, también el torso y también en los brazos.
Pues hay que intentar obtener estos loops de aristas de manera
que favorezcan la deformación de cada una de las articulaciones.
Esto está muy relacionado con los segmentos que definen las secciones de
extremidades y torso.
Nos va a preocupar saber y tener muy claro cuántos segmentos hacen
la circunferencia por ejemplo del brazo.
No va a ser una medida que pongamos al azar, hay que pensarla de antemano y
tenerlo claro, vamos a utilizar ocho, vamos a tener diez, doce, porque esto va
a determinar después cómo quedaron los diferentes loops de aristas cuando se una
la parte del brazo, por ejemplo con la parte del torso, el hombro, etcétera.
Por último, también es mejor utilizar quads, es decir que todas las caras tengan
cuatro lados, sean rectángulos para favorecer suavizados posteriores.
Es muy común a partir de un modelado en baja hacer un modelado en alta,
aplicándole, pues como vimos en el ejemplo del contenedor un para que el suavizado
funcione bien es más recomendable que las caras sean rectángulos.
Y por último, aunque aquí no por una cuestión puramente logística,
de que no hay todo el tiempo disponible, no vamos a entrar en detalles
sobre mapeado y texturizado, pero bueno, realmente las técnicas han ampliado y
especialmente el texturizado, no se alejan demasiado de las que you hemos visto,
en el caso de de los objetos de entorno o los objetos de escenario.
En este caso si que normalmente se realiza un despliegue total, aunque en
algunos casos pues, se crean solapamientos para reaprovechar partes de la textura.
Hay que tener en cuenta que las partes del cuerpo humano, que se mapea por partes,
el torso por aparte, los brazos por otra, las piernas por otra, son inventos que no
tiene una proyección específica, tiene una proyección compleja, con lo cual es cierto
que utilizan herramientas específicas que básicamente lo que hacen es abrirte,
como despellejarte el personaje, cada una de las partes del personaje.
Se utilizan herramientas como el mapping o relax.
Básicamente el concepto es el mismo, es desplegar para después con esas
te las llevas a un programa 2D y te creas la textura.
En relación al texturizado puede ser en un programa 2D, con Photoshop.
También es cierto que en algunos programas, en 3D max, por ejemplo,
también te permite pintar al aire, te permite pintar a mano alzada en 3D.
Pero sobre todo la alternativa más utilizada a la edición de texturas
en 2D en Photoshop es el texturizado en programas de escultura digital como Zbrush
y Mudbox que te permiten pintar a mano alzada todo lo que es el mapa de difuso.
E incluso en estos programas,
incluso en Zbrush y Mudbox es necesario haber realizado el mapeado.
El mapeado anteriormente en el 3D Max.
Bien, ahora vamos a ir al 3D Max para ver un pequeño ejemplo de cómo se va
creando un personaje poco a poco y cuáles son los elementos clave a tener en cuenta.
Explora nuestro catálogo
Inscríbete de manera gratuita y obtén recomendaciones personalizadas, actualizaciones y ofertas.
Coursera brinda acceso universal a la mejor educación del mundo, al asociarse con las mejores universidades y organizaciones, para ofrecer cursos en línea.
© 2019 Coursera Inc. Todos los derechos reservados.
